I film in uscita al cinema a Maggio 2026

L’amore sta bene su tutto è la pellicola diretta e interpretata da Giampaolo Morelli. Il film si inserisce nel filone delle commedie corali contemporanee italiane, costruite su più linee narrative intrecciate e su un equilibrio tra leggerezza e riflessione emotiva. Si tratta di un racconto articolato che esplora le diverse forme dell’amore – romantico, maturo, genitoriale e di rinascita personale – attraverso personaggi appartenenti a generazioni e contesti differenti. Il film costruisce un mosaico umano fatto di relazioni imperfette, incomprensioni e incontri inattesi, con l’idea centrale che l’amore non sia mai lineare né prevedibile, ma capace di trasformare profondamente chi lo vive. L’impostazione corale permette di osservare il sentimento amoroso da prospettive diverse: dai sogni giovanili alle crisi adulte, fino al confronto con il passato.

New Line Cinema presenta Mortal Kombat II, il nuovo capitolo ad alto tasso di adrenalina dell’acclamato franchise videoludico che torna sul grande schermo con tutta la sua brutale potenza. Questa volta, i campioni più amati dai fan – ora affiancati da Johnny Cage in persona – si affrontano in un’epica battaglia all’ultimo sangue per fermare il dominio oscuro di Shao Kahn, una minaccia che incombe sull’esistenza stessa del Regno della Terra e dei suoi difensori.

Antartica – Quasi una fiaba è il film d’esordio alla regia di Lucia Calamaro, autrice già affermata nel teatro contemporaneo italiano. L’opera si inserisce in un contesto piuttosto raro per il cinema italiano, ovvero quello della narrazione scientifica, intrecciata però a una riflessione profondamente umana ed esistenziale. Ambientato in uno dei luoghi più estremi e simbolici del pianeta, l’Antartide, il film utilizza lo spazio isolato della base scientifica come metafora della condizione umana contemporanea: sospesa tra progresso, solitudine e bisogno di relazione.

La pellicola mescola elementi drammatici e riflessivi con una dimensione quasi filosofica. Il ghiaccio, l’isolamento e la distanza dal mondo diventano strumenti narrativi per esplorare il rapporto tra scienza ed etica, tra razionalità e fragilità emotiva. Il film si distingue anche per la sua struttura intimista, concentrata su pochi personaggi e su dinamiche relazionali intense, piuttosto che sull’azione. Al centro del racconto vi è una comunità di scienziati italiani impegnati in ricerche che guardano al futuro dell’umanità: una prospettiva che richiama tematiche contemporanee come il cambiamento climatico, la sopravvivenza della specie e i limiti della conoscenza scientifica. In questo contesto, Calamaro costruisce una narrazione che, pur partendo da presupposti scientifici, si sviluppa soprattutto come indagine sui legami umani, sulle ambizioni e sui conflitti interiori.

Illusione è il nuovo film diretto da Francesca Archibugi, una delle autrici più sensibili e riconosciute del cinema contemporaneo italiano. La pellicola nasce da uno spunto di cronaca reale rielaborato in chiave narrativa: la vicenda di una giovane ragazza dell’Est Europa ritrovata in condizioni misteriose diventa il punto di partenza per un racconto più ampio che intreccia temi come lo sfruttamento minorile, il traffico internazionale, il potere e la manipolazione della realtà.

Ambientato principalmente tra Perugia, Bruxelles e Strasburgo, Illusione costruisce un’atmosfera sospesa e inquieta, dove la dimensione privata dei personaggi si intreccia con scenari politici e criminali più vasti. Il titolo stesso richiama la condizione della protagonista, intrappolata in una percezione distorta e “protettiva” del mondo, che contrasta con la brutalità dei fatti.

Attraverso un’indagine giudiziaria e psicologica, il film esplora il confine tra verità e percezione, tra ciò che appare e ciò che è nascosto, mettendo al centro una giovane vittima che diventa enigma, simbolo e motore narrativo. Da non perdere.

Pecore sotto copertura è diretto da Kyle Balda, noto per il suo lavoro nel cinema d’animazione (tra cui la saga di Minions), qui al suo esordio nel live action con una commedia gialla dal tono originale e sorprendente. Il film, tratto dal romanzo Three Bags Full di Leonie Swann, mescola il classico schema del “whodunit” (il giallo investigativo basato sulla scoperta del colpevole) con un’idea narrativa insolita: affidare l’indagine a un gregge di pecore.

Ambientato in una campagna apparentemente tranquilla, il film ribalta le prospettive tradizionali del genere investigativo, spostando lo sguardo dagli esseri umani agli animali, che osservano, interpretano e spesso fraintendono il comportamento umano. Questo espediente narrativo non è solo comico, ma diventa anche uno strumento per riflettere sulla comunicazione, sull’empatia e sul modo in cui si costruiscono le relazioni all’interno di una comunità.

Hopper – Il segreto della Marmotta (titolo originale Chickenhare and the Secret of the Groundhog) è un film d’animazione diretto da Benjamin Mousquet, sequel del precedente capitolo dedicato al personaggio di Chickenhare. Il film si inserisce nel filone dell’animazione family contemporanea, combinando elementi di avventura epica, comicità e formazione personale. Ambientato in un universo fantastico popolato da creature ibride e animali antropomorfi, il racconto sviluppa temi centrali come l’identità, il senso di appartenenza e il confronto tra destino e libero arbitrio.

La pellicola amplia l’universo narrativo già introdotto nel primo film, approfondendo il passato del protagonista e introducendo nuovi personaggi che mettono in crisi le sue certezze. Dal punto di vista stilistico, il film si caratterizza per un’animazione dinamica e colorata, pensata per un pubblico giovane ma capace di offrire diversi livelli di lettura anche agli adulti. L’intreccio mescola elementi fantasy – come la presenza di una creatura leggendaria capace di manipolare il tempo – con un percorso di crescita personale, trasformando l’avventura in un viaggio interiore.

In the Grey è il nuovo film d’azione scritto e diretto da Guy Ritchie, uno dei registi più riconoscibili del cinema contemporaneo per il suo stile dinamico, ironico e visivamente energico. Dopo aver consolidato la propria carriera con opere come Snatch e Sherlock Holmes, Ritchie torna qui a un racconto ad alto tasso di tensione, costruito attorno a operazioni clandestine, doppi giochi e personaggi moralmente ambigui. Il film si inserisce perfettamente nella poetica del regista, che spesso esplora mondi criminali o para-governativi dove la distinzione tra bene e male si fa sfumata, entrando appunto in quella “zona grigia” evocata dal titolo. La narrazione promette un intreccio complesso fatto di strategie, tradimenti e missioni ad alto rischio, con un ritmo serrato e sequenze spettacolari girate in location reali, tra cui le Isole Canarie.

Uno degli elementi più rilevanti del progetto è il cast internazionale di alto livello, che riunisce attori già noti per ruoli in grandi produzioni hollywoodiane. La presenza di interpreti come Henry Cavill e Jake Gyllenhaal garantisce un forte richiamo commerciale, mentre la componente narrativa sembra puntare su un equilibrio tra azione pura e tensione psicologica.

Mother Mary è scritto e diretto da David Lowery, autore già noto per opere visivamente suggestive e spesso attraversate da elementi simbolici e spirituali. In questo progetto, Lowery costruisce un racconto ibrido tra dramma psicologico, musical e suggestioni quasi horror, ambientato nel mondo della musica pop e dell’alta moda. Il film si concentra su una figura di popstar globale, interpretata da Anne Hathaway, che affronta una crisi personale e artistica mentre tenta un ritorno sulle scene, e sul suo rapporto complesso con la stilista che ha contribuito a crearne l’immagine pubblica, interpretata da Michaela Coel.

La pellicola si distingue per il suo tono ambiguo e stratificato: da un lato esplora il lato oscuro della celebrità, della costruzione dell’identità e della dipendenza creativa, dall’altro introduce elementi simbolici e quasi mistici che trasformano il racconto in un viaggio interiore. Il film riflette su temi come il controllo dell’immagine, il senso di colpa, il rapporto tra artista e creatore e la fusione tra vita privata e personaggio pubblico.

The Mandalorian and Grogu è l’attesissimo film diretto da Jon Favreau, che rappresenta il primo adattamento cinematografico della celebre serie Disney+ The Mandalorian. Il progetto nasce come evoluzione naturale della storia televisiva ambientata nell’universo di Star Wars, diventando il primo film del franchise a portare sul grande schermo le avventure del cacciatore di taglie Din Djarin e del suo apprendista Grogu.

La pellicola è ambientata dopo la caduta dell’Impero Galattico, in un periodo di instabilità politica in cui la Nuova Repubblica cerca di consolidare il proprio potere mentre resti imperiali e signori della guerra continuano a minacciare la galassia. In questo scenario, il rapporto tra Din Djarin e Grogu diventa il fulcro narrativo e tematico del film, evolvendo ulteriormente il legame quasi familiare già sviluppato nella serie.

Il film mantiene lo stile caratteristico di Favreau, che unisce western spaziale, azione militare e momenti emotivi legati alla crescita di Grogu e al percorso di redenzione del Mandaloriano. La produzione, realizzata da Lucasfilm, si inserisce nel più ampio universo narrativo di Star Wars e punta a collegare le trame televisive con i futuri progetti cinematografici della saga.

Amarga Navidad è scritto e diretto da Pedro Almodóvar, che segna un ritorno del regista spagnolo al suo cinema più tipico: il melodramma intrecciato con la riflessione metacinematografica e l’autofinzione. L’opera si colloca nel solco delle sue narrazioni più mature, in cui la dimensione emotiva dei personaggi si fonde con una struttura narrativa complessa, costruita su piani temporali e livelli di realtà che si sovrappongono.

Il film esplora il rapporto tra vita e finzione, uno dei temi centrali della fase recente del cinema di Almodóvar, ma lo fa attraverso un dispositivo narrativo ancora più esplicito: una storia che si sdoppia tra ciò che accade ai personaggi e ciò che viene scritto da un autore interno alla vicenda stessa. Questo meccanismo trasforma la narrazione in una riflessione sul dolore, sulla memoria e sul processo creativo.

Ambientato tra Madrid e le Canarie, il film alterna atmosfere intime e familiari a una dimensione quasi mentale, in cui il lutto, la crisi creativa e le relazioni sentimentali diventano materiali narrativi continuamente riscritti. Almodóvar costruisce così un’opera che si interroga sul costo emotivo della creazione artistica e sul modo in cui le esperienze personali vengono trasformate in racconto.

Passenger è un film horror soprannaturale diretto da André Øvredal, regista norvegese noto per opere come The Autopsy of Jane Doe e Scary Stories to Tell in the Dark. Il film si inserisce nel filone del “road horror”, un sottogenere che trasforma il viaggio e la libertà della strada in un incubo progressivo e inarrestabile. La pellicola si concentra su un’idea semplice ma inquietante: ciò che dovrebbe rappresentare evasione e avventura — un viaggio on the road — diventa il punto di partenza di una persecuzione sovrannaturale senza tregua. Øvredal costruisce la tensione attraverso spazi aperti, isolamento e una presenza invisibile ma costante che segue i protagonisti ovunque vadano, rendendo impossibile distinguere sicurezza e minaccia.

Backrooms è un horror e sci-fi diretto da Kane Parsons, creatore dell’omonima e virale serie su YouTube “Kane Pixels”. Il film rappresenta l’adattamento cinematografico della celebre creepypasta nata su internet nei primi anni 2010, che descrive un labirinto infinito di stanze giallastre, vuote e fluorescenti, chiamato appunto “Backrooms”.

Il progetto nasce dall’enorme successo dei cortometraggi originali di Parsons, realizzati inizialmente in modo indipendente con software di animazione e stile “found footage”. La loro atmosfera inquietante, basata sul concetto di spazi liminali (ambienti familiari ma disturbanti e vuoti), ha contribuito a rendere il fenomeno virale a livello globale e ad attirare l’attenzione di importanti case di produzione.

Il film segna il debutto cinematografico di Kane Parsons, che lo dirige in giovane età, e viene prodotto da grandi nomi dell’horror e del cinema contemporaneo. La produzione è infatti supportata da A24, Atomic Monster e 21 Laps Entertainment, con l’obiettivo di espandere la mitologia della serie in una narrazione più strutturata e cinematografica.

Il Regno di Kensuke è un film d’animazione che mescola avventura, racconto di formazione e riflessione ecologica. Diretto da Neil Boyle e Kirk Hendry, il film nasce dall’adattamento dell’omonimo romanzo di Michael Morpurgo, autore noto per storie intense e umanistiche come War Horse.

L’opera si distingue per uno stile visivo classico e delicato, lontano dalla CGI dominante nel cinema contemporaneo, e punta tutto sull’atmosfera, sulla natura e sul rapporto tra uomo e ambiente. Il film affronta temi universali come la sopravvivenza, la solitudine, la perdita e soprattutto l’incontro tra culture diverse, incarnato dall’amicizia tra un ragazzino inglese e un anziano giapponese sopravvissuto alla guerra. Al centro della narrazione c’è anche una forte componente simbolica: l’isola diventa un microcosmo isolato dal mondo moderno, un luogo dove il tempo sembra sospeso e dove l’essere umano è costretto a confrontarsi con la natura e con sé stesso. Il risultato è una storia profondamente emotiva, pensata per un pubblico familiare ma capace di parlare anche agli adulti.

Innamorarsi e altre pessime idee è la commedia romantica diretta da Simone Aleandri che racconta, con toni leggeri e ironici, le complicazioni sentimentali e i giochi di inganno che nascono quando l’amore si intreccia con la vendetta e le seconde possibilità.

Il film si inserisce nella tradizione della commedia sentimentale contemporanea italiana, costruendo una storia corale in cui relazioni sbagliate, piani poco lucidi e incontri imprevisti portano i protagonisti a mettere in discussione le proprie certezze emotive. Il tono è brillante, con situazioni paradossali e dinamiche di coppia che si evolvono in modo imprevedibile.

Tuner – L’accordatore è un thriller drammatico del 2025 diretto da Daniel Roher, regista premio Oscar per il documentario Navalny. Si tratta del suo primo lungometraggio di finzione e segna un cambio di registro verso il cinema narrativo.

Il film è prodotto tra Canada e Stati Uniti e distribuito da Notorious Pictures. L’uscita nelle sale italiane è prevista per il 28 maggio 2026.

La storia ruota attorno al tema del talento sensoriale e dei suoi limiti morali, esplorando come un dono eccezionale possa trasformarsi in una condanna. L’opera mescola tensione psicologica, dramma umano e atmosfere da thriller urbano, con una forte attenzione al suono come elemento narrativo centrale.